Краткий справочник по работе с любыми видами изображений — от фотографий до иллюстраций.
Каждое изображение имеет критерии оценки, согласно которым можно сказать хорошее оно или плохое. Эти критерии нужно знать не только профессиональным художникам и иллюстраторам, но и простым обывателям, ведь все мы, так или иначе, работаем с изображениями, например, когда постим фотографию в Instagram, или выбираем иллюстрацию для рекламного макета.
В этой статье мы предлагаем вам рассмотреть 5 основных правил, согласно которым создается изображение: композиция, перспектива, освещение, светотень и цветность. Ознакомьтесь с ними, и вы научитесь отличать удачные картинки от плохих, оперируя профессиональной терминологией.
1. Композиция
Важным аспектом в искусстве является композиция. Это основа для всего остального, главный инструмент, который позволяет художнику направлять внимание зрителя, заставляя его погрузиться в картину. Если композиция выстроена неправильно, все остальное может развалиться. Это не значит, что нужно маниакально следовать всем правилам. В действительности, многие нарушают их, и, при этом, создают очень успешные произведения искусства. Секрет в том, что они знают, как и когда эти правила нарушать.
ПРАВИЛО ТРЕТЕЙ
Это самая простая, и часто используемая техника, которая хорошо запоминается, и поэтому подойдет даже для начинающих.
Как применять:
Картинка делится на 9 равных частей, которые разделены двумя вертикальными и двумя горизонтальными линиями (см. пример). Главная идея в том, чтобы поместить самый важный элемент/объект на одном из перекрестков линий (т.е. там, где получаются «+»), а так же вдоль и рядом с вертикальной линией, на которой лежит фокус.
Считается, что когда объект/фокус расположен на одной из таких точек, это делает картинку более интересной, чем когда он расположен по центру.
The remains which live by Keisuke Asaba
ПОРТРЕТ
В противоположность тому, что было сказано выше, этот композиционный прием устанавливает фокус прямо в центре картины. Хотя этот способ, в основном, используется для изображения какого-либо персонажа, к нему прибегают и при других обстоятельствах, что делает центральную композицию весьма популярной.
Для портретистов важно показать персонаж, и привлечь к нему максимум внимания. А для этого нет способа лучше, чем поставить его по центру.
В дополнение к центральному фокусу форма ромба показывает зрителю, куда он должен обратить свое внимание. Само собой, зритель не видит вспомогательных направляющих в готовой работе, поэтому акцент нужно делать через освещение, цвет, детали и т.д. Все, что находится за границами этого ромба не так важно, и не должно забирать много внимания.
Вы можете использовать эти базовые инструкции все сразу, как точку опоры для создания более сложных композиций, или по отдельности, создавая простые сцены. Последний вариант более предпочтителен для получения опыта и развития навыков, но выбор, конечно, за вами. Кроме того, есть и другие композиционные приемы, которые мы не перечислили здесь. Для хорошего, глубокого понимания вопроса, мы советуем найти их и изучить.
PI-2 by Marek Okon (слева). Blood Divided by Dan Santos (по центру). Inject Me by Marc Simonetti (справа).
ФОКУС
Создавая очевидный акцент или фокус в картинке, вы облегчаете процесс восприятия вашей работы зрителем. Он сразу видит главную сцену/предмет, и понимает смысл происходящего на изображении.
Теперь, давайте рассмотрим какими средствами, помимо композиции, можно направить взгляд зрителя на точку фокусировки.
На PI-2 вы можете наблюдать, как свет приковывает взгляд к центральной точке, благодаря своей интенсивности. Здесь играют роль цвет, композиционное размещение (правило третей), а также то, что все взгляды всех персонажей картины направлены в эту точку. Благодаря перечисленным факторам наше внимание замыкается на главном действии сцены – круге, образованном парящими в воздухе людьми.
В Crysis 2 (см. ниже), художник также использовал свет, цвет и композиционное размещение для акцента на точке фокуса. Во-первых, яркий свет, идущий от прожекторов и фар транспорта, направлен на основную сцену. Туда же направлены оружейные выстрелы с обеих сторон картинки. И, в-третьих, художник использовал правило третей для построения композиции. Все это создает удачную картинку, где главная и второстепенная сцены четко разграничены.
Crysis 2 – Concept 04 by Marek Okon
На изображении ниже, художник использует движение вокруг камня, чтобы определить фокусную точку для зрителя. Как драконы летают вокруг массивного камня, так и зритель следует за ними взглядом, задерживая свое внимание на первостепенных деталях. Поскольку сам камень находится в тени, свет за ним создаёт контрастный фон, который дополнительно выделяет точку фокусировки.
На этом рисунке фокусная точка – замок. Об этом говорит арка на заднем плане и мост, идущий к замку от водопада, небольшой угол наклона всей сцены в сторону замка, выделение фокусной точки более ярким, по сравнению с вершинами гор, цветом.
Здесь вы видите пример того, как можно задать центр композиции при помощи кадрирования. Такой прием позволит «закрыть» зрителя в сцене, приковав его внимание к основному действию. Кадрирование хороший прием, но он таит в себе опасность того, что можно переусердствовать и отсечь слишком много. Такое изображение будет вызывать раздражение своей неправильностью и внимание зрителя не задержится на нем надолго.
2. Перспектива
Можно стать художником, не имея ни малейшего представления о перспективе. Однако большинство начинающих предпочитают получить хотя бы минимальные сведения о правилах ее построения, чтобы их рисунки не выглядели плоскими.
Что же такое перспектива? Когда будете стоять на улице, понаблюдайте за сторонами зданий, и тем как вы их видите с разных точек. Затем посмотрите вниз по улице, и вы заметите, что чем дальше объект находится от вас, тем более маленьким он кажется. Перспектива это то, как вы видите объекты в пространстве. На бумаге она образовывается лучами (направляющими), которые расходятся из так называемой «точки схода» (или центра вашего взгляда), лежащей на линии горизонта. В зависимости от количества точек схода различают разные виды перспективы.
ОДНОТОЧЕЧНАЯ ПЕРСПЕКТИВА
Это самый простой пример перспективы, который не так широко распространен из-за своей ограниченности. Он используется, когда нужно показать простую перспективу, в которой зритель будет видеть объект только с одной стороны. В одноточечной перспективе, как не трудно догадаться, всего одна точка схода, лежащая на линии горизонта. Местоположение объекта в пространстве определяется путем пересечения направляющих, исходящих из точки схода вертикальными линиями.
2001: A Space Odyssey by Stanley Kubrick
ДВУХТОЧЕЧНАЯ ПЕРСПЕКТИВА
Когда объект расположен к зрителю углом, или видны сразу обе его стороны, помимо центральной, вам понадобится двухточечная перспектива. Точки схода, опять же, лежат на линии горизонта, и направляющие из этих точек должны пересекаться на объекте. В этом примере начинает прослеживаться очевидное перспективное искажение.
В большинстве случаев точка будет оказываться за пределами вашей сцены. Если вам сложно представить ее в пространстве, вы всегда можете положить дополнительный листок для измерения точного расстояния, или расшить холст, если вы рисуете в графическом редакторе.
Mysterious Street by Lukasz Taborski
ТРЕХТОЧЕЧНАЯ ПЕРСПЕКТИВА
Трехточечная система используется, когда вы хотите добавить динамики или драматизма в картинку. Это может пригодиться для изображения сцен, где зритель видит объект чуть сверху, или чуть снизу (например, по траве идет собака, а в небе летит птица), или есть какое-то действие. Для создания такой перспективы вводится третья точка схода, которая будет лежать или над, или под объектом, вытягивая его или вверх или вниз.
Построение из этой точки происходит по тем же правилам, по каким строятся точки, лежащие на линии горизонта. Благодаря этому и возникает характерное искажение, передающее пространственное положение объекта.
Давайте посмотрим на примеры использования такой перспективы:
3. Светотень и интенсивность
Вместе с перспективой светотень и интенсивность цветов служат важными средствами изображения пространства.
Рельефность, объем, и характер цветовых и тоновых контрастов изображаемого объекта напрямую зависит от освещенности. В объемно-пластических сценах важная роль принадлежит действию законов воздушной и цветовой перспективы.
Сущность воздушной перспективы заключается в том, что выраженность различного вида контрастов (светотеневых, цветовых, величинных и т.д.) на объектах, расположенных ближе к нам наиболее интенсивная, а по мере удаления объекта в глубину, контрасты света и тени на его поверхности ослабевают.
Воздействие воздушной перспективы зависит от прозрачности и толщины воздушного слоя (атмосферы), который окутывает изображаемый мир. Воздушный слой может преломлять, рассеивать или менять характер цвета: чем дальше от переднего плана находится объект, тем слабее его цветовая насыщенность, и тем холоднее становится его цвет. Скажем, лес на переднем плане воспринимается зеленым, а на дальнем видится сине-зеленым или даже голубым.
Учитывая вышесказанное, вы сможете акцентировать внимание зрителя, используя приемы выделения главной сцены светотенью и интенсивностью в ваших работах.
4. Цвет
Как все мы помним еще со школы, все разнообразие красок получается путем смешивания трех цветов: желтого, красного и синего, поэтому эти цвета называются базовыми. Все остальные цвета называются производными, так как они получены путем смешивания базовых цветов. Кроме черного и белого – это ахроматические цвета, которые играют большую роль не только в цветовой, но и в тоновой палитре.
Цвет имеет следующие характеристики:
- Название цвета, его цветовой тон.
- Теплый/холодный.
- Насыщенный/приглушенный.
- Светлый или темный.
Перед тем как приступить к рисованию надо определиться с цветовой гаммой. Задайте себе вопросы относительно того, какое время суток/года вы хотите изобразить, может это вообще будет марсианский пейзаж? Какое настроение у вашей картины? Если она грустная или драматическая, то яркие, жизнерадостные цвета могут уменьшить эффект воздействия на зрителя, а если веселая, тогда «не сгущайте краски».
Мы подобрали несколько примеров того, как цвет может быть использован для формирования определенного восприятия, и направления внимания зрителя:
В образе Голема художник использовал сильные света вокруг центральной сцены, которые привлекают внимание в первую очередь. Цвета вокруг игрушки добавляют в картинку мистики и волшебства, в то время как остальная часть не очень насыщена. Такой подход раскрывает задумку автора, делая акцент на действии, происходящем с игрушкой, не нарушая общий баланс картинки.
GOLEM – toys and magic by Randis Albion
Здесь вы видите контрастные цвета, которые выделают фокусный центр.
Nemeroths Fall by Roberto Robert
5. Освещение
Такой сложный вопрос, как освещение в сцене обязательно нужно продумывать и тщательно прорабатывать. Главным образом потому, что любой зритель знает, как выглядит реалистичное изображение, даже если у него нет никакого представления о том, что именно делает его реалистичным. Иногда вам может повезти, и зритель не поймет в чем подвох, но в большинстве случаев неверно переданное освещение может свести к нулю весь ваш труд.
Для того чтобы научиться правильно изображать освещение окружающей среды, игру бликов на разных видах материалов и т.д., нужно внимательно наблюдать за окружающей действительностью. Блики на крышах в солнечный день, преломление света в стеклах машин, отблески на мокром асфальте. Почему не по фотографиям в Интернете, спросите вы? Да потому что никакая фотография не даст вам то ощущение понимания, которое вы приобретете, наблюдая и изучая окружающий мир.
Наравне с цветом, освещение используется для передачи эмоций и глубины картинки. Давайте посмотрим, как это может быть достигнуто:
На изображении ниже задний план сильно освещен, и на контрасте с затемненной деталью переднего плана создается фокусный центр. Хотя, передний план обычно первым бросается в глаза благодаря высокой детализации, здесь, погруженный в тень, он практически не привлекает нашего внимания. Такой прием не только определяет фокусный центр, но и создает иллюзию присутствия зрителя в этой сцене.
Skyscraper lost by Ioan Dumitrescu
Иллюстратор Дилан Коул мастерски использует этот прием на изображении ниже. Вся сцена построена таким образом, что взгляд первым делом падает на задний фон, высветленный солнечными лучами, и только потом переходит на передний план.
Заключение
Конечно, перечисленные здесь основы – только верхушка айсберга, который необходимо постичь, чтобы научиться создавать действительно сильные работы. И если вы не относитесь к редким талантам, которые используют все эти приемы на интуитивном уровне, не расстраивайтесь. Больше теории, еще больше практики, огромное желание научиться рисовать как профи, и тогда вы обязательно добьётесь успеха!
Благодарим, что нашли время прочитать эту статью. Мы надеемся, что вы почерпнете из нее что-то новое. Поделитесь ей в социальных сетях, чтобы грамотных художников стало больше!
По мотивам материалов: psd.tutsplus.com
